从艺术基金会到美术馆：奢华品牌如何支持当代艺术？

奢华品牌所传递的，从来不只是产品本身，更涵盖文化积淀、历史传承与身份象征。对品牌而言，支持艺术是一项着眼长远的文化投资。无论是赞助展览、设立基金、颁发奖项，还是与艺术家展开深度合作，品牌在强化自身文化辨识度的同时，也将品牌历史与当代艺术实践紧密相连。这种长期投入，既提升品牌的文化内涵，也让产品保持相关性，在奢侈品领域形成鲜明潮流。

艺术基金和美术馆

路易威登：艺术见证自由
LVMH集团董事长兼首席执行官Bernard Arnault 曾言：“艺术是信仰自由的最佳体现。”集团旗下的路易威登基金会(Fondation Louis Vuitton)于2014年在巴黎落成，将艺术与文化纳入路易威登的长期发展战略。这座美术馆长期致力于支持法国及国际当代艺术创作，透过永久收藏、临时特展、艺术委任项目，以及以音乐为核心的多学科文化活动，不断拓展艺术与公众之间的对话。

由建筑大师Frank Gehry设计，该建筑本身就是一件极具象征意义的艺术作品。坐落于布洛涅森林之中，12面玻璃“帆”环绕着如“冰山”般的展览空间，在光影、水面与自然环境的互动中不断变换姿态，使建筑成为艺术体验不可分割的一部分，也奠定其作为世界级当代艺术展馆的地位。

美术馆每年策划两场重要特展，聚焦现代和当代艺术，曾呈献“Matisse: The Red Studio”、“Icons of Modern Art. The Shchukin Collection”和“Ellsworth Kelly. Shapes and Colors,1949-2015”等标志性展览。2025年初，则迎来英国艺术家David Hockney迄今规模最大的回顾展，随后还推出德国艺术家Gerhard Richter作品综览，完整梳理这位93岁艺术家自1960年代至今的创作演变。

Arnault在2025年 “ArtReview”全球艺术影响力“Power 100”榜单中位列第56位。据报道，他所建立的艺术收藏规模可观，约330件作品为常设展出。尽管他对Vincent van Gogh的个人偏爱鲜少对外公开，路易威登基金会向公众呈现的展览内容却横跨现代与当代，从Alberto Giacometti的青铜雕塑，到Ed Atkins等当代艺术家的影像创作，构建出多元完整的艺术视野。

卡地亚：感受城市动脉
除了在珠宝和钟表领域有着丰富的历史底蕴，卡地亚(Cartier)在艺术方面也有着深厚的耕耘，1984年由当时的卡地亚总裁Alain Dominique Perrin所主导的卡地亚当代艺术基金会(Foundation Cartier)，成立宗旨便是希望落实艺术层面的深度推广，让它不再是高不可攀的菁英文化，而是能将艺术家作品透过展览的形式，使更多人可以理解创作的本质，以及背后隐含的文化意涵，进而达到让艺术融入生活的终极实践。

自1984年创立起，卡地亚当代艺术基金会透过收藏、展出、出版等方式展现当代创作，努力引领世人欣赏国际当代艺术创作的广阔视野与鲜活生命力，并与各领域多位艺术家之间建立深厚而持续的联系，40余年来汇集了来自50个国家、500 位艺术家、4500多件作品。2025年10月，卡地亚当代艺术基金会迎来全新篇章，从拉斯帕伊大道261号的原场馆，搬迁到位于巴黎市中心的皇家宫殿广场2号一座建于1855年的奥斯曼时期建筑内，这里的前身先后是罗浮宫大饭店(Grand Hotel du Louvre)、罗浮宫百货公司(Grands Magasins du Louvre)等地点。

由普立兹克建筑奖得主、法国建筑大师Jean Nouvel操刀的新馆，从里到外都非常讲究，设计概念沿袭基金会在拉斯帕伊大道原址的风格，同时透过大量玻璃和钢铁构的运用、天花板上栽种树木让树影在光线下随之映照摇曳等细节，将空间与大自然做了犹如共生般的融合。此外，Jean Nouvel构建了一套富于动态感的建筑体系：由五个可调节的平台组成，可在11个高度位置之间灵活变换，形成多样的空间组合，纵向层次与光影变化，从而极大拓展了展览与活动的可能性，让场内成为一个大型展演舞台，更让建筑物本身成为城市脉络的延伸，落实卡地亚当代艺术基金会秉持艺术应该融入大众生活的近用理念。新址共有8500平方米对公众开放的空间，其中6500平方米用于展览。建筑本身亦成为一个完整的展陈装置，服务于视觉艺术、摄影、电影、手工艺、表演与舞台艺术以及科学等多个领域的创作。

在卡地亚当代艺术基金会的新址正式启用之后，卡地亚推出 “Exposition Generale”为开幕展，精选馆藏中的代表性作品及历次展览片段，勾勒出馆藏发展的核心线索。其收藏以独特的原则为导向，在年复一年的丰富与拓展中，展现出40余年来的国际当代艺术创作。与传统意义上的馆藏不同，它并非依托既有藏品，而是主要由其展览项目中委托创作并呈现的作品逐步构成，涵盖了从国际知名艺术家到尚未在艺术舞台上广为人知的创作者。此外还有一系列活力洋溢的当代跨域艺术活动作为Exposition Generale展览的延伸，包括表演、音乐会与电影、座谈各类活动，使博物馆成为思想交会之地，在与当代的对话中，共同创造叙事、知识与不同形式。

开云集团：重新审视当代艺术
法国艺术家Celeste Boursier-Mougenot的大型装置作品“Clinamen”今年在巴黎商品交易所(Bourse de Commerce)——皮诺私人美术馆的圆形大厅中展出。作品以漂浮于水面、随水流轻轻碰撞的瓷碗与其细微声响，构成一幅灵动诗意的夏日景象。该空间亦被选为圣罗兰(Saint Laurent)2026春夏男装系列的发布场地，引发艺术与时尚界的广泛关注。

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巴黎商品交易所自2021年转型为当代艺术博物馆，集中展示开云(Kering)集团创始人Francois Pinault逾50年积累的重要当代艺术收藏。该馆与威尼斯的格拉西宫(Palazzo Grassi)及旧海关大楼(Punta della Dogana)共同构成皮诺博物馆体系(Pinault Collection)，成为欧洲当代艺术的重要展示平台。

Pinault在2025年“ArtReview”全球艺术影响力“Power 100”榜单中位列第58位。其皮诺艺术收藏(Collection Pinault)汇集来自全球近350位艺术家的逾一万件作品，涵盖绘画、雕塑、摄影、装置、影像、声音与行为艺术等多种媒介。改造后的巴黎商品交易所不仅策划主题展览与个展，也举办艺术家主导项目、对谈、研讨会及音乐演出，构建出一个集观赏、思考与体验于一体的当代艺术场域。

今年初，美术馆以黎巴嫩视觉艺术Ali Cherri围绕黎巴嫩复杂历史展开的雕塑作品揭开序幕，同时呈现美国视觉艺术家Arthur Jafa的两部影像作品。这些展览与一组约100件、以“身体”为主题的馆藏陈列同期展出，所有作品均选自Pinault的艺术收藏。

自2025年9月10日至2026年1月26日，作为“Minimal”展览的序章，美术馆展出已故巴西先锋艺术家Lygia Pape在法国的首场个展。今年3月，展览“Clair-obscur”将汇集皮诺收藏中约20位现代与当代艺术家的作品，以
“由暗入明”的观看路径，探讨明暗对照这一艺术传统在当代语境中的延续。

爱茉莉太平洋：融汇传统与摩登
雪花秀(Sulwhasoo)总公司爱茉莉太平洋(Amorepacific)位于韩国首尔龙山区，这栋30层办公大楼由英国著名建筑师David Chipperfield设计，灵感源自月型壶，建筑宏伟而充满东方美学气息 。大楼地下层的爱茉莉太平洋美术馆(Amorepacific Museum of Art，下称 APMA)展出已故创办人兼首任会长徐成焕捐赠的私人收藏作品。自2009年正式更名为APMA以来，美术馆以“为发现日常之美而开放的空间”为理念，致力打造能够与公众互动的艺术场域。

APMA内设图书馆apLAP，典藏超过一万册来自世界各地的展览图录，同时整理和分析全球美术馆与博物馆的展览资料，包括海报、邀请函等，以此策划系列活动，提供多角度的展览研究与交流。过去，美术馆还定期举办雪花文化展(Sulwhasoo Cultural Exhibition)，结合传统技艺与现代科技，在大楼开放区展示本地艺术家的作品，将文化、艺术与品牌理念融为一体。馆方目前正展出美国艺术家Mark Bradford韩国个展 “Keep Walking”，这是他在亚洲规模最大的作品回顾展，展出20多年的艺术实践，展示他在“社会抽象”领域的重要探索与成就。

普拉达：从热忱出发
普拉达艺术基金会(Fondazione Prada)由Miuccia Prada与丈夫、普拉达集团联合首席执行官Patrizio Bertelli于1993年共同创立。初衷源于二人对艺术的热爱，以推动当代艺术、建筑、电影与思想为核心使命。2025年，Miuccia Prada在“ArtReview”全球艺术影响力“Power 100”榜单中位列第32位，较前一年的第79位显著跃升。这一提升也印证基金会持续投入的成果，以及旗下品牌缪缪(Miu Miu)与艺术家跨界合作所累积的文化影响力。

目前，普拉达基金会中心设有三处主要场馆：米兰主馆、米兰Osservatorio以及威尼斯馆。米兰主馆位于城市南部的拉哥伊萨尔科(Largo Isarco)工业园区，前身为一座拥有百年历史的杜松子酒酿酒厂。该空间由建筑大师Rem Koolhaas及其OMA建筑事务所改造完成，在保留工业建筑原貌的同时，融入当代建筑语言，成为米兰重要的当代艺术据点之一。OMA在原有七座建筑基础上新增三座功能性空间：临时展厅Podium、多媒体礼堂Cinema及永久展厅Torre。

威尼斯分馆设于历史悠久的在威尼斯王后宫(Ca’ Corner della Regina)，为基金会提供一处与历史建筑深度对话的策展空间；而位于米兰伊曼纽尔二世长廊(Galleria Vittorio Emanuele II)的Osservatorio，则专注于摄影与动态影像等视觉媒介的展示与研究，丰富基金会在新媒体艺术领域的探索。

在艺术项目方面，米兰总馆呈献了墨西哥导演Alejandro Gonzalez Inarritu的作品，以及德国艺术家Hito Steyerl的场域特定艺术项目；威尼斯空间则推出由Koolhaas旗下AMO/OMA策划的展览，重新审视建筑、策展与理论之间的关系。

除欧洲基地外，基金会亦积扩大亚洲艺术版图。2017年，经六年修缮的上海“荣宅”正式向公众开放。这座始建于1918年的历史宅邸，如今成为普拉达集团在中国的重要文化平台，通过举办展览、论坛与特别艺术项目，如近期呈献的Lucio Fontana与Michelangelo Pistoletto作品展。

爱马仕：艺术与传承
自2008年成立以来，爱马仕企业基金会(Fondation d’entreprise Hermes)不设立固定场馆，与不同地区的当地艺术家及机构合作，为艺术家提供优质的成长平台。基金会尽力为艺术家提供创作所需的各类资源，涵盖资金、工具、专业知识乃至空间与场地。其支持不仅限于创作阶段，更延伸至展览、表演与出版环节，并通过推动跨领域合作，扩大艺术项目的公众影响力，深化艺术与当代社会的连接。

例如，2025年11月6日至2026年4月5日举办的“Eclats du crepuscule”展览，便是爱马仕企业基金会与斯特拉斯堡现代与当代艺术博物馆(Musee d’Art moderne et contemporain de Strasbourg，简称MAMCS)合作策划的四场系列展览之一。根据合作计划，MAMCS将于2025年至2027年间负责基金会在La Grande Place的策展工作。本次展览以四个章节为结构，汇集了三位在法国东部生活与工作的艺术家：Camille Fischer、Francois Genot与Nicolas Schneider。三位艺术家虽分别从事雕塑、纺织与雕刻、装置艺术等不同创作，却在展览结构中形成和谐的连贯性。

在“传承”层面，基金会主要聚焦技术共享与技艺传承。透过重点培育计划及对工匠行业的长期投入，爱马仕推动以工艺、创新与专业精神为核心的传承理念，并支持学徒、艺术学生及跨领域专业人士的发展。

艺术奖项

麦丝玛拉：庆祝女性力量
2025年，麦丝玛拉(Max Mara)女性艺术奖迎来创立20周年，并于佛罗伦萨斯特罗齐宫(Palazzo Strozzi)举办庆祝展览。该奖项于2005年由意大利时装品牌麦丝玛拉与伦敦白教堂画廊(Whitechapel Gallery)合作创立，2007年起，品牌意大利总部旗下的当代艺术馆Collezione Maramotti亦加入成为合作伙伴。

麦丝玛拉女性艺术奖长期致力于推动艺术、创意与女性之间的紧密联结，并通过提升公众能见度，提供创作资源与支持，协助女性艺术家实现创作，并最终以个人展览的形式向公众呈现。该奖项亦是首个以“支持与推介英国新锐女性艺术家”为宗旨的视觉艺术奖项。

每位获奖艺术家将获得为期六个月的意大利驻留资助，该计划内容根据艺术家的专业需求与个人发展方向量身定制。驻留期间，艺术家将深入当地文化脉络，研究特定历史与文化主题，并学习新技术，进而创作新作品。理解得奖者包括Emma Hart、Helen Cammock和Andrea Buttner等，她们均发展出优秀的艺术项目，并在国际舞台上大放异彩，频繁亮相于威尼斯双年展、特纳奖等重要艺术活动。

香奈儿：突破创作边界
Chanel Next Prize大奖设立于2021年，由香奈儿文化基金会(Chanel Culture Fund)每两年颁发一次，旨在表彰在音乐、舞蹈、表演、电影、视觉艺术与数位设计等领域中，持续突破并重新定义创作边界的杰出艺术家。每位获奖者可获得10万欧元奖金，用于自由实现个人的艺术项目，同时获得参加为期两年的指导交流计划的机会。

2024年Chanel Next Prize的十位得奖者之一，是新加坡视觉艺术家何子彦(Ho Tzu Nyen)。自 2003年投身艺术创作以来，他活跃于动画、影像与装置艺术领域，作品多围绕东南亚历史展开，透过历史、文学、电影、文献与神话等多重文本，重新审视现实与历史的建构方式，并曾代表新加坡参加第54届威尼斯双年展。

理查德米勒：拓展当代艺术疆域
作为当代艺术的坚定支持者，理查德米勒(Richard Mille)在全球艺术界建立密切的合作关系，包括巴黎东京宫(Palais de Tokyo in Paris)、加利福尼亚的沙漠双年展(Desert X)和国际性的弗里国际艺术博览会(Frieze Masters art fair)。一年一度的理查德米勒艺术奖(The Richard Mille Art Prize)，是另一个同一初衷的长期项目，由品牌与阿布扎比卢浮宫(Louvre Abu Dhabi)合作，旨在表彰在阿联酋等地致力于拓展当代艺术疆域的杰出艺术家。首届奖项始于2021年，彼时适逢阿联酋成立50周年，特别以“记忆、时间和领土(Memory，Time and Territory)”为主题进行探讨，聚焦于阿联酋本土创作者所展现的独到艺术才华与见解。

阿布扎比卢浮宫是中东地区顶尖的艺术博物馆，亦是全球领先的艺术机构之一。理查德米勒与阿布扎比卢浮宫由此正式开启长达十年的密切合作，进一步巩固视觉美学和钟表艺术之间的纽带，为全世界奉上面向未来的蓬勃创造力和创新观点。理查德米勒艺术奖通过公开征选方式遴选出五到十位艺术家，并在阿布扎比卢浮宫当代艺术交流主题展厅Forum中展出他们的作品。阿布扎比卢浮宫还专门为此提供一个互动交流的空间，探讨当代艺术的发展。经历两个半月展览之后，艺展评委会将评选出一位优胜者，向其颁发殊荣。

第5届展览名为“Art Here”，日本艺术家Ryoichi Kurokawa从众多展出入围作品中脱颖而出，荣获2025年理查德米勒艺术奖，同时获得6万美元奖金。其获奖作品“skadw-”回应了本届艺术奖的主题 “Shadows”，将“影子”转化为一件沉浸式、充满氛围感的装置艺术，通过光线、声音与流动的雾气共同塑造“影”的形态。一束狭窄的光线在层层薄雾中移动，生成不断显现又消散的图案，营造出富有诗意的空间体验。

罗意威：当代工艺的未来想象
十年前，罗意威时任创意总监Jonathan Anderson在马德里发起罗意威基金会工艺奖(Loewe Foundation Craft Prize)，迅速将其发展为品牌的重要文化项目。该奖项以年度展览与竞赛形式呈现，聚焦全球当代工艺创作，呼应罗意威深厚的工艺传统，同时表彰那些以才华、远见和创意勇气不断塑造未来艺术面貌的艺术家。

2025年工艺奖共选出30件入围作品，来自18个国家，涵盖陶瓷、玻璃、木材、金属、纺织、纸艺与珠宝等媒材，展现当代工艺在形式与技法上的多元探索。今年的工艺奖将在春季于新加坡举行，这也是该奖项首次落地东南亚。届时，评审团将由13位来自设计、建筑、评论与博物馆策展领域的国际专业人士组成，包括2025年得主、日本雕塑家Kunimasa Aoki。

雨果博斯：塑造艺术的未来
雨果博斯自1996年起与纽约索罗门古根汉基金(Solomon R. Guggenheim Foundation)合作，每两年颁发一次雨果博斯艺术奖(Hugo Boss Prize)，支持当代艺术创作。得奖者可获得10万美元赞助金，并于翌年在古根汉美术馆(The Guggenheim Museum)举办个展，历届得主包括美国艺术家Matthew Barney及香港出生的美籍艺术家Paul Chan等。

2025年，品牌推出首届“Boss当代艺术杰出成就奖”(Boss Award for Outstanding Achievement)。该奖项植根于巴塞尔艺术展的颁奖体系，表彰具启发性与变革潜力的创新创作，同时凸显Boss品牌所秉持的四大核心价值：大胆、真实、雄心与责任。首届得主为艺术家Meriem Bennani。她出生于摩洛哥，现居纽约，运用影像、声音、动画、雕塑及大型装置等多元媒介创作，以融合幽默感、流行文化美学与数字语言的叙事方式，打造出兼具沉浸感、趣味性同时饱含思辨精神的艺术作品，引发观众深度共鸣。